Warum Filme heute so dunkel aussehen, im Kino und zu Hause – #eSports #WOW

„Warum ist in neuen Filmen alles so dunkel?“ ist schnell zu einem der häufigsten Refrains in der Kinowelt geworden. Es kam erstmals in den späten Staffeln von in großem Umfang zum Vorschein Game of Thrones. Episode für Episode twitterten die Leute wütend darüber, wie schwer es war zu sehen, naja, irgendetwas auf dem Bildschirm vor sich geht. Seitdem haben viele Erklärungen und Theorien über eine Vielzahl von „dunklen“ Produktionen das Internet überschwemmt, einige zutreffend (brutale Streaming-Komprimierung, suboptimale Betrachtungsbedingungen) und einige entschieden weniger genau. (Nein, es geht nicht darum, „schlechte CG zu verbergen“.)

Die Wahrheit lässt sich nicht auf einen Faktor reduzieren. Aber ein Schlüsselelement ist in diesem Gespräch weitgehend verloren gegangen: Entscheidungen beim Filmemachen und die aktuellen Trends, die Regisseure dazu bringen, düsterere Bilder zu produzieren. Wenn die Streaming-Komprimierung ein notwendiges Übel des modernen Vertriebs ist und wenn die Zuschauer sich unabhängig von der Absicht des Filmemachers dafür entscheiden, Filme und Shows unter suboptimalen Bedingungen anzusehen, warum entwerfen dann so viele Regisseure, DPs und Koloristen ihre Arbeit auf eine Weise, die damit nicht kompatibel ist? Wie viele Menschen sehen heutzutage Medien? Welchen Nutzen haben Filmemacher davon? Die Antworten sind kompliziert.

Und um zu diesen Antworten zu gelangen, müssen wir die Gespräche über Technologie verlassen zur Seite ab. Die wirklichen Antworten basieren auf der Form – also der visuellen Sprache eines Films oder einer Show – und nicht auf seichten Gesprächen darüber, welche böse moderne Kamera schuld ist oder ob Digitalkameras anders mit Licht umgehen als Filmkameras. Werkzeuge sind nur Werkzeuge. Sie können auf eine halbe Million Arten eingesetzt werden. Für jede düstere, digital gedrehte, VFX-lastige Produktion gibt es ähnliche Mad Max: Fury Road, Die Matrix-Auferstehungenoder Avatar: Der Weg des Wassers, die zu den lebhaftesten und kristallklarsten Blockbustern aller Zeiten zählen. Werkzeuge sind ein Mittel, um ein Bild zu erstellen, aber am Ende des Tages ist jede Komponente des Bildes auf diesem Bildschirm eine Entscheidung eines Künstlers.

Warum entscheiden sich Filmemacher also dafür, solche schwachen, schwer zu analysierenden Bilder zu drehen?

Foto: Jonathan Olley/Warner Bros.

Für den Anfang ist es wahrscheinlich besser, allzu düstere Nachtszenen eher als Nebenprodukt eines bestimmten Stils als als dessen zentrales Ziel zu betrachten. Der jüngste Aufruhr über einen Film, der „so“ aussieht tauchte auf Twitter auf über das kommende Remake unter der Regie von Der Grüne Ritter Filmemacher David Lowery. Obwohl die einzigartige Abscheulichkeit der YouTube-Komprimierung die Fotografie von Lowery und Kameramann Bojan Bazelli beeinträchtigt hat (die Version des Trailers auf Disney Plus sieht deutlich besser und heller aus), ist es immer noch ein ziemlich perfektes Beispiel für den modernen Stil. Wenn wir tiefer in Lowerys Gesamtstil eintauchen und wo seine Arbeit in der größeren Kontinuität der Trends des Filmemachens steht, können wir besser verstehen, wie dieser düstere, kontrastarme „Look“ zustande kam.

Ein Schlüsselkonzept, das Sie im Abschnitt „Warum sind moderne Filme so dunkel?“ verstehen sollten. Debatte ist „motiviertes“ Licht. Motivierte Lichtquellen haben eine rationale, taktile Logik innerhalb der Welt einer bestimmten Szene: Sonnenlicht, das durch ein Fenster fällt, oder das warme Licht einer Schreibtischlampe. UndMotivierte Leuchten sind das genaue Gegenteil: Beleuchtungen, die einen besonders stilistischen Eindruck erwecken sollen, die im Kontext einer Szene möglicherweise keine „echte“ Grundlage haben.

Nehmen Sie zum Beispiel Wes Cravens wegweisenden Klassiker von 1996 Schrei – ein Film, der oft für das Wie erwähnt wird zündete alles darin ist zu jeder Zeit. Ein früher Schrei Szene zeigt die Protagonistin Sidney Prescott, die ihren Freund Billy Loomis nach einer schrecklichen Hausinvasion und ihrem Nahtod durch die Hände eines maskierten Mörders umarmt. Nachdem Sidney ihre Arme um Billy gelegt hat, schneidet Craven zu einer engen Nahaufnahme von Billys Gesicht, das von einem grellen, bedrohlichen, eiskalten Licht beleuchtet wird, das seine finsteren Absichten anzeigt.

Aber wo Ist das Licht kommt aus? Das Schlafzimmer, in dem sie sich befinden, hat keine eingeschalteten Lampen. Könnte es der Mond sein? Schwer zu rechtfertigen, da die einzigen Fenster im Raum sind hinter Billy, und das Licht, das wir anstarren, ist so viel heller und näher, als es der Mond jemals sein könnte. Also was um alles in der Welt ist das Licht?

Die Antwort ist einfach genug, nichts. Craven hatte oft kein wirkliches Bedürfnis zu erklären, warum plötzlich ein helles Licht in einer Sekunde auftauchte, bevor es in der folgenden Einstellung wieder verschwand. Es ist eine rein stilistische Entscheidung, die für diesen einen Moment eingesetzt wird, um Billys Vertrauenswürdigkeit in den Köpfen des Publikums in Zweifel zu ziehen. Es ist eine extrem inszenierte Wahl, die sich perfekt in den erhöhten, melodramatischen Stil der größeren Serie einfügt. Schrei wäre es nicht wirklich Schrei ohne es.

Der hyperbeleuchtete Stil war in den 90er Jahren im amerikanischen Kino ein ziemlich verbreiteter Grundpfeiler der Kinematografie, und wie alle Trends geriet er schließlich aus der Mode – in diesem Fall einige Jahre später Schrei Kinos schlagen. In den 2000er Jahren wandten sich Filmemacher stärker gerichteten, schattigen Beleuchtungsstilen zu, die eine düsterere, „bodenständigere“ Ästhetik heraufbeschworen und gleichzeitig einen Sinn für klassischen Hollywood-Glanz bewahrten. Die 2010er Jahre brachten einen weiteren großen Stilwandel, diesmal in Richtung Hypernaturalismus. Sogar breite Blockbuster mit großem Budget wie Harry Potter und die Heiligtümer des Todes – Teil 1 nahm einen Look an, der direkt aus dem Indie-Kino mit kleinerem Budget gerissen wurde. Die Lichter in diesem Film sind nicht nur immer motiviert, sie sind es auch realistisch.

Bild: Warner Bros.

Wo frühere Filme die Anwesenheit des Mondes oder einer Tischlampe verwendet haben könnten, um eine viel hellere Beleuchtung zu rechtfertigen, mögen Filme Heiligtümer des Todes, Interstellar, Und Morgendämmerung des Planeten der Affen das Licht einer Lampe einfach anschauen lassen wie eine Lampe. Das führte zu dunkleren, gerichteter beleuchteten Sets. In der Studioküche mit großem Budget suchten immer mehr Filmemacher nach echtem Sonnenlicht, um eine Szene zu beleuchten – oder zumindest nach Beleuchtungsgeräten, die ihre Textur und Qualität genau nachahmen konnten. Wo unabhängige Filme natürliches Licht nutzten, um innerhalb der Budgetbeschränkungen zu arbeiten, begannen größere Filme, es wegen seines Gefühls von Unmittelbarkeit und Taktilität zu umarmen: das Gefühl von real Menschen navigieren real menschliche Räume.

Etablierte Kameraleute wie Emmanuel „Chivo“ Lubezki und Roger Deakins begannen, sich mehr und mehr diesem Stil zuzuwenden, um wilden Beifall zu finden, in Filmen wie Vogelmann, Gefangene, Und Starkregen. Vor allem Lubezki machte mit seiner Arbeit Schlagzeilen Der Wiedergänger, wo er fast ohne Beleuchtungsequipment auskam, um das technisch unglaublich komplexe Rache-Epos in der kanadischen Wildnis zu drehen. Er hat einen ganzen Film auf die Sonnenstrahlen, den Feuerschein und die Low-Light-Fähigkeiten einer kleinen Armee von Arri Alexa-Kameras gesetzt. Die Ergebnisse sind auf eine einzigartig moderne Weise auffallend und viszeral. Es war eine prägende Erfahrung für viele junge Kameraleute, denen klar wurde: „Warte, ICH kann das auch!“

Dies ist die Landschaft, in der die aktuelle Generation von Filmemachern ihre Zähne schneidet – David Lowery ist ein Paradebeispiel. Wenn man sich seine Arbeit ansieht, fällt es schwer, außerhalb surrealer Traumsequenzen ein einziges Licht zu finden, das nicht gründlich und fanatisch in der realen Logik des Raums verwurzelt ist, in dem es spielt. Er und seine häufigste Kameramann Andrew Droz Palermo, reagieren praktisch allergisch auf den kleinsten Hauch von Licht, der sich „unmotiviert“ oder falsch anfühlt.

Und während einige angesichts der Wortwörtlichkeit dieses Ansatzes die Augen verdrehen könnten, ist die Aussagekraft der Ergebnisse schwer zu bestreiten. Lowerys Filme sind weich, malerisch und melancholisch. Sie fühlen sich an, als ob sie in den eigenen gelebten Erinnerungen des Zuschauers stattfinden und nicht in einer gesteigerten Hollywood-Fantasiewelt. Dadurch ist es ihm gelungen, hochphantastische und seltsame Geschichten greifbar und humanistisch zu gestalten. Der Look ist zu Lowerys Visitenkarte geworden, die er mit einer Vielzahl anderer Regisseure mit ähnlichen Sensibilitäten wie Amy Seimetz (Sie stirbt morgen), Jeremy Saulnier (Grüner Raum) und Denis Villeneuve (Düne, Ankunft, Bladerunner 2049).

Bild: Warner Bros./HBO Max

Aber wie alle Stile hat der Motiviert-Licht-Stil gewisse Einschränkungen. Diese sind am stärksten in Szenen zu spüren, die keine gute Rechtfertigung für praktische Lichtquellen haben – insbesondere Nachtszenen. Während sich Filmemacher früherer Epochen auf künstliches blau-weißes „Mondlicht“ stützten, das eine dunkle Straße oder einen dunklen Raum überflutete, können zeitgenössische Filmemacher mit einem natürlichen Juckreiz diesen Ansatz nicht immer für sich nutzen. In einem Film, der auf motivierte Quellen angewiesen ist, droht das Eindringen eines offensichtlichen Filmlichts, das sich als Mond tarnt, das Eintauchen des Publikums zu untergraben. Es ist einfach nicht Teil der Filmsprache.

Also, was sind die Lösungen? Viele Filmemacher haben sich dafür entschieden, bei ihren naturalistischen Waffen zu bleiben und zu versuchen, das lebensechte Gefühl nachzuahmen, in einem dunklen Raum ohne ausreichend Licht festzustecken, was das Publikum dazu zwingt, mit einem schwachen, schwer zu navigierenden Rahmen zu rechnen, genau wie die Figuren in der Geschichte. Andere inszenieren Szenen gar nicht erst unter diesen Bedingungen und meiden lichtarme Umgebungen gänzlich.

Aber die Wahrheit ist, dass es für Filmemacher, die sich mit einem organischen Beleuchtungsstil verbunden fühlen, keine Patentlösung für dieses Problem gibt. Es wird immer sein manche Szenen, die die Grenzen der von einem Filmemacher gewählten Ästhetik auf die Probe stellen, wie zum Beispiel die Nachtszenen, an denen sich viele Zuschauer in diesem Trailer stoßen . Für die Szene, in der Peter im Darling-Kinderfenster erscheint, entschieden sich Lowery und Bazelli dafür, Tinkerbell als Hauptlichtquelle für die Szene zu verwenden.

Und doch stellt dies auch eine Herausforderung dar: Wenn Tink es ist zu hell, und der Raum um sie herum ist realistisch dunkel, dann könnte der Effekt letztendlich in Richtung „gespenstisch“ gehen, was nicht gerade für den großen Auftritt eines bestimmten magischen Jungen aus der wunderbaren Welt von Nimmerland passt. Aber wenn die Umgebung es auch ist hell, Sie laufen Gefahr, überhaupt nicht mehr wie Nacht auszusehen. Letztendlich entschieden sich Lowery und Bazelli dafür, den Unterschied aufzuteilen, indem Tinkerbell ein sanftes Leuchten auf die Gesichter der anderen Charaktere warf und den Rest des Raums ziemlich dunkel ließ ohne zu sein Schwarz.

Funktioniert es? Hängt vom Betrachter ab, wie die Argumente deutlich gemacht haben. Und niemand wird ernsthaft in der Lage sein, mit Autorität darüber zu sprechen, bis der Film mit einer brauchbaren Auflösung und der beabsichtigten endgültigen Farbqualität veröffentlicht wird. Aber man kann argumentieren – und verdient es –, dass dieser besondere Stolperstein die ausgeprägte, zeitgemäße Sensibilität wert ist, die Künstler wie David Lowery an den Tisch bringen.

Anstatt darauf zu bestehen, dass Filmemacher ihre Arbeit biegen, um den kleinsten gemeinsamen Nenner zu erreichen – das heißt, Menschen, die Trailer auf ihren Handys über YouTube streamen – sollten wir ihr Engagement für den naturalistischen Lichtstil als Aufforderung an die Zuschauer verstehen, die Absicht ihrer Arbeit zu respektieren. und tun ihr Bestes, um Filme so zu sehen, wie sie beabsichtigt und entworfen wurden: auf einem guten Bildschirm in einem dunklen Raum, entweder in einem Kino, auf einer Disc oder über einen Streaming-Dienst, der ihre Arbeit nicht zerstört mit unterdrückenden Komprimierungsalgorithmen. Für Leute, die sich wirklich für das Medium Film interessieren und respektieren, was ein heikler Prozess der Bildherstellung ist, sollte das keine allzu große Frage sein.